Jacques Halbert

Qui portera le chapeau ?

Certains peintres, on nous les présente à chaque décennie comme des personnages aux contours anémiés, ou boursouflés, bref toujours un peu déplacés, ils auraient rempli le contrat de la modernité mais en restant sur leur cul, aplanis par les recherches nouvelles, hébétés dans un monde qui ne veut plus les accueillir, ou regardés comme des fauves en voie d’extinction, c’est à dire des rois sans territoire, sans cour, sans voix. Parfois un de ces maîtres remet des gants pour nous convaincre du contraire, non la peinture ne se contente pas des épluchures, il lui reste encore de beaux jours mon amour, la peinture s’expose, Monsieur, elle se vend même, regardez autour de vous, soyez rassurés ! Mais au fond personne n’est tout à fait rassuré, et on peut toujours refaire le coup des extrapolations narratives sur fond de position critique dans les pays du soleil levant, la chose semble avoir été blessée, entamée, amputée. L’époque tousse, décidément. Alors, bien sûr, lorsque quelqu’un quitte le lot des plaintifs, ou des déçus, proférant son indépendance, de ton, de couleur, de sujet, face aux attentes du marché, de la critique, du goût, nous nous devons de le remarquer, à notre tour nous étonner des ruses à quoi il lui a fallu recourir, deviner ses moments de solitude, évaluer sa royale gourmandise. Jacques Halbert est de ceux-là, et le rire dont il a fait son lance-flammes résonne effrontément. A l’époque des années dogmatiques, la fin des années 70, Paris ne voulut pas écouter ce courant d’air bruyant, l’artiste s’expatria, aux Etats-Unis, jusqu’à ce que là-bas aussi on se mette à nettoyer les murs et les sols et rendre difficile la vie à ceux qui n’empruntent pas les sentiers battus. Bruxelles est aujourd’hui le lieu qui accueille ce citoyen si peu consciencieux.

Qu’une attitude aussi emblématique d’une capacité de résistance passe par la répétition depuis plus de trente ans d’un motif comme la cerise, avec quelques infidélités heureuses, a de quoi alerter les plus démunis, les plus retors et les plus naïfs. A la fin des années 70 il utilise un triporteur pour créer un musée nomade qu’il déplace dans les rues, aux portes des institutions publiques ou privées de l’art. A l’instar de son ami Cadere, à la faveur des cérémonies de vernissage, la peinture se manifeste avec humour et excès. Entonnant des airs populaires sans inclinaison populiste, le tableau s’affuble des ornements du lutin, mais aussi des saveurs du poison, il échappe au sérieux mais il affirme déjà son goût immodéré pour les histoires qui l’ont vu naître, la grande histoire avec son cortège endiablé de peintres visités au Louvre depuis l’enfance, et l’autre, celle où il s’agit de se déporter des aléas théoriques de Support Surface, entre autres machines de guerre aux plans de rigueur obsessionnels et envahissants. Les auto-collants retentissent comme des possibilités d’échapper au système, au rituel, à l’élitisme. La cerise oscille comme autant de points d’ironie et clignote comme un avertissement, elle ne prône pas le retour, elle échappe aux catégories, elle semble se diriger tel un satellite insensé, le temps montre à l’évidence que la course n’était ni tout à fait folle ni tout à fait inutile et les grands tableaux d’aujourd’hui le soulignent avec force. Le choix de présenter ce triporteur, objet véhicule témoin d’un certain nombre de performances (un second objet verra le jour récemment et sera le réceptacle d’une collection de chapeaux sur chacun desquels seront peintes des cerises) et un tableau de grande dimension permet d’allier ce qui relève d’un art d’attitude avec une activité de peintre. Jacques Halbert ne tranche pas. Il se promène sous ces deux latitudes, laissant l’exégète apporter sa contribution. Demeure peut-être que la peinture est restée l’épicentre nerveux de l’aventure. Les grands tableaux ont quitté la question du genre, distribuant de l’intensité plutôt que de la figure, captant des couleurs qui dévorent et varient, convoquant tout un panel de sensations, et de correspondances. La musique, elle aussi, s’observe.

S’il y a des délices à se perdre dans la parure d’un fruit rouge, le vertige est grand à se laisser embarquer dans des étendues de bleu piqué de signes identifiables certes mais bouleversés. Les codes de la figuration paraissent avoir ainsi explosé en plein vol, les mirages sont permis. On peut les voir comme des propositions qui tendent vers une abstraction qui réinventerait ses limites, une abstraction qui avive les sens, proche d’une moisson généreuse. Tout semble glisser, et dans les plis qu’occasionnent ces déplacements intempestifs les lectures sont ouvertes, nous quittons l’allégorie et ses effets, pour tout au bout découvrir que ces échappées qui nous sont offertes relèvent d’une singularité, d’une séduction et d’une morale.

Pierre Giquel, 2008

Communiqué de presse de l'exposition Jacques Halbert au Centre de Création Contemporaine de Tours

C’est en 1975 qu’il peint sa première cerise. Dès lors, ce sujet gourmand ne cessera plus de nourrir son oeuvre prolifique, animant selon des rythmes réguliers ou des compositions aléatoires la surface monochrome, de préférence bleue, de ses toiles. Le motif de la cerise comme revendication de sa position artistique mena l’artiste de la peinture à la performance, de la France aux Etats-Unis, lui faisant partager l’aventure de Fluxus ou s’associer aux expériences du Eat Art. Cependant, toutes les voies explorées, comme les différents mediums et supports utilisés, n’ont jamais pu détrôner l’attachement profond de l’artiste à la peinture, qui demeure pour lui la pratique fondatrice. De même, s’il se dirige régulièrement vers d’autres sujets tout aussi culinaires, tels les petits pois, pommes de terre fumantes ou peintures gratinées, la cerise est le seul motif qui traverse de façon continue son travail sur ces trente dernières années.

Depuis la première toile de 1975 faisant apparaître ce sujet insolite jusqu’à ses nouvelles productions aux formats monumentaux en dialogue avec l’architecture, cette exposition choisit cet angle curieusement thématique afin de rendre lisible l’étonnante continuité de ce travail. Au delà de l’effet de ” signature ” qui lie ce motif à l’artiste, l’exposition entend mettre à jour les déclinaisons infinies qui s’expriment dans ces inlassables répétitions, et en cela appréhender les qualités et préoccupations proprement picturales du travail de Jacques Halbert. Il s’agit ici également de s’interroger sur l’étonnante résistance de ce sujet à l’épuisement, comme si chaque nouvelle cerise posée sur la toile renouvelait dans la gourmandise l’essence même du désir de peindre.

La cerise est apparue dans le travail de Jacques Halbert au milieu des années 70, comme une réaction provocatrice à l’aspect cérébral du mouvement Support/Surface omniprésent dans l’environnement artistique du moment. L’irruption incongrue, presque charnelle, des cerises sur les toiles bleues que l’artiste réalisait alors signent une réappropriation de sa pratique en accord avec sa personnalité profonde, celle d’un artiste épicurien, digne héritier des exubérances dada, tendance Picabia. La cerise le mène rapidement sur le terrain d’un art d’attitude, prémice des performances qui constituent un pan important de sa pratique : l’artiste se fit connaître à la même époque en arpentant avec son triporteur les vernissages parisiens, vendant gâteaux et tableaux aux cerises.

L’art de Jacques Halbert est nourri à tous ses niveaux de la grande histoire de la peinture. Ses oeuvres cerisistes utilisent un motif explicitement figuratif pour un travail abstrait. De la même façon, elles se situent de façon étonnante au confluent de deux états d’esprit divergents des avant gardes qui ont depuis les années 70 profondément redéfini le paysage artistique. Par certains aspects, son travail rappelle certains mouvements radicaux, qui ont repoussé la peinture dans ses limites les plus extrêmes, comme BMPT, (notamment Daniel Buren et Niele Toroni), Support-Surface, mais aussi des démarches singulières comme Roman Opalka. Mais en choisissant la cerise, Jacques Halbert court-circuite cette tendance radicale en y intégrant humour et dérision, ainsi qu’une vitalité pop, qui le situent aussi dans la filiation de l’esprit Fluxus et de toutes les tentatives artistiques visant à relier l’art et la vie.

Delphine Masson, 2006